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Balance del mes de Julio de Inteligencia Narrativa

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Segundo mes de Inteligencia Narrativa. El crecimiento está siendo exponencial y la difusión de los artículos es constante gracias a la buena colaboración de los seguidores de la web.

Contenido

Por orden cronológico, de más recientes a menos, estos son los nueve artículos que he publicado en el blog de Inteligencia Narrativa durante el mes de Julio. Recuerda que llevo la cuenta de los meses de 28 a 28, pues fue un 28 cuando Inteligencia Narrativa empezó. Si te has perdido algún artículo, ahora tienes la ocasión de hacer un repaso a todos ellos y echarles un ojo:

100 clichés lingüísticos que deberías evitar

Cómo escribir para los cinco sentidos

¿Qué es y cómo escribir una novela río?

Cómo escribir una historia de fantasía épica

Mujeres guerreras y cómo crear personajes femeninos originales

6 claves para mejorar los diálogos de tus personajes

Cómo dar vida a las palabras para atrapar al lector

¿De dónde saca la inspiración un escritor?

Cómo escribir una escena en 11 pasos

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En las redes sociales

Estos son los resultados obtenidos a fecha de 28 de Julio de 2015 en las redes sociales:

Twitter: 740

Sígueme en Twitter si aún no lo has hecho.

Facebook: 529

Sígueme en Facebook si aún no lo has hecho.

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Newsletter

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100 clichés lingüísticos que deberías evitar

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Cuando se habla de clichés lingüísticos, nos referimos a expresiones orales o escritas que se han repetido en exceso en la lengua castellana, hasta tal punto de haber generado una expresión en sí misma. El problema de esto radica en que, las palabras que componen dicha expresión, carecen de un valor semántico real, pues se utilizan por pura inercia. Recurrir a este tipo de clichés con demasiada frecuencia delata la ausencia de vocabulario. Y como consecuencia, usar estas muletillas porque sí, independientemente de si tienen o no cabida en el texto, denota una falta terrible de imaginación.

Muchos de estos clichés, además de ser repetidos, tienen un defecto a nivel lingüístico. Siendo la mayoría de ellos redundantes en su expresión. Por ejemplo, tanto «Horizontes lejanos» como «Persona humana» son redundantes en sí mismos. Un horizonte siempre va a estar lejos, pues la propia definición lo evalúa así. Del mismo modo, una persona sólo puede ser humana, por lo tanto es absurdo e innecesario especificar su condición.

No debes confundir cliché lingüístico con frase hecha.

Una frase hecha es una expresión con sentido figurado y de uso extendido en la comunidad hispanohablante. A diferencia del cliché lingüística ésta constituye un valor social y cultural, y un significado aceptado por la Real Academia. Dicho de otro modo: se utilizan para expresar algo concreto, mientras que los clichés pueden ser sustituidos por numerosas expresiones. Algunos ejemplos de frases hechas son:

  • A bocajarro.
  • Bajar la guardia.
  • Quien avisa no es traidor.
  • Mala hierba nunca muere.
  • Meter la pata.
  • Tener mala uva.
  • La gota que colma el vaso.

100 clichés lingüísticos que deberías evitar.

Aquí te dejo una lista con los 100 clichés lingüísticos que deberías evitar. Ten en cuenta que su uso puntual no es algo que esté necesariamente mal, el problema empieza cuando la presencia de estos clichés es demasiado frecuente. Es más, un escritor tiene que meditar cada palabra que escribe, y este tipo de atajos lingüísticos te privan de ello. Sé consciente de cada palabra que pones en tus escritos y no escribas por inercia.

1. Accidente fortuito.
2. Acelerar a tope.
3. Acostarse muy tarde.
4. A grito pelado.
5. Amarga derrota.
6. Amarga despedida.
7. Amasijo de hierros.
8. Ambos dos.
9. Amistad inquebrantable.
10. Amor a primera vista.
11. Amplio abanico de posibilidades.
12. Aparatoso vendaje.
13. Aprovechar el tiempo.
14. Asesino sanguinario.
15. Atasco monumental.
16. A toda velocidad.
17. Baño de masas.
18. Baño de sangre.
19. Belleza exquisita.
20. Belleza sublime.
21. Blanco como la nieve.
22. Blanco inmaculado.
23. Breves minutos.
24. Brillar con luz propia.
25. Brilló por su ausencia.
26. Brutal agresión.
27. Brutal paliza.
28. Calor abrasador.
29. Cobrarse una vida.
30. Comida exquisita.
31. Cortina de humo.
32. Criando malvas.
33. Deambular sin rumbo.
34. Dentro de lo que cabe.
35. Dientes como perlas.
36. Dilatada trayectoria.
37. Dimisión irrevocable.
38. Disfrutar plenamente.
39. Dolor insoportable.
40. Emotivas imágenes.
41. En base a…
42. Entrañable familia.
43. Escalada de violencia.
44. Escenas dantescas.
45. Espiral de violencia.
46. Está demostrado.
47. Estricta disciplina.
48. Fe inquebrantable.
49. Hasta altas horas de la madrugada.
50. Horizontes lejanos.
51. Hoy en día.
52. Incumplimiento flagrante.
53. Instinto asesino.
54. Isla paradisíaca.
55. Jugarse la vida.
56. Lealtad inquebrantable.
57. Llegados a este punto.
58. Llegar a buen puerto.
59. Llover a cántaros.
60. Mala fortuna.
61. Mano de hierro.
62. Merecidas vacaciones.
63. Mascar la tensión.
64. Mascar la tragedia.
65. Modales exquisitos.
66. Mostrarse consternado.
67. Negro azabache.
68. Nevada copiosa.
69. Nexo de unión.
70. No pudo ser.
71. Ola de calor.
72. Parece ser que…
73. Pasar olímpicamente.
74. Perder la vida.
75. Persona humana.
76. Pies en polvorosa.
77. Piso de lujo.
78. Pistoletazo de salida.
79. Puños de acero.
80. Rascarse la barriga.
81. Refugio seguro.
82. Residencia de la tercera edad.
83. Rubia de bote.
84. Rubia platino.
85. Saltaron todas las alarmas.
86. Secreto mejor guardado.
87. Segar la vida.
88.Ser bien conocido.
89. Serpiente multicolor.
90. Situación límite.
91. Sol de justicia.
92. Sudar la gota negra.
93. Sudar tinta.
94. Sueño reparador.
95. Tiempo inclemente.
96. Valer la pena.
97. Verano caluroso.
98. Verdades como puños.
99. Virtud heroica.
100. Volverse loco.

Cómo escribir para los cinco sentidos.

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Es fácil describir cuando se trata de formas. Todos podemos imaginar fácilmente unos labios esbozando una sonrisa, un bonito prado de amapolas o un árbol mecido por el viento.  ¿Pero qué pasa cuando vamos un paso más allá? ¿Cómo describirías el tacto de esos labios al besarlos, el olor del campo de amapolas y el sonido que produce el viento al atravesar la maraña de hojas? Ahí es donde el buen escritor marca la diferencia. La diferencia entre leer un libro y vivir un libro.

Escribir para los cinco sentidos.

Y es que cuando se trata de usar la imaginación, los cinco sentidos son partícipes innegables de la lectura. ¿Alguna vez te ha pasado que, mientras leías una descripción de un olor, has llegado a olfatear dicho olor durante una milésima de segundo? No es magia, es psicología.

Los recuerdos se codifican mediante varios elementos: visual, auditivo, emocional, etc. Si evocamos un recuerdo por el componente visual, las otras vertientes y elementos del recuerdo se manifiestan, pues están asociadas. Por ejemplo, si olemos una rosa, en nuestro cerebro se llevan a cabo una serie de conexiones neuronales. Estas conexiones conectan el elemento visual de la rosa con el olfativo. De manera que, cuando veamos una rosa en una foto, existe la posibilidad de que nuestro cerebro, al rescatar dicha conexión, nos evoque el olor de las rosas.

Cuanto mayor sea la fidelidad de la reproducción respecto a la fuente original, más fácil será suscitar esta sensación. Por ello, el escritor, tiene que conocer bien aquello que pretende evocar. Lo ideal es que experimente él mismo esas sensaciones y conserve esos recuerdos asociados, de manera que pueda traspasarlos al lector a través de las páginas. Por ejemplo: Si tienes la posibilidad, recurre al objeto cuyo olor quieres describir y olfatéalo bien. Huélelo repetidas veces e intenta imaginar qué te sugiere. Dale un significado con palabras.

No dudes en experimentar las mismas sensaciones que quieres describir en tu obra. Por eso muchos escritores viajan continuamente en busca de vivencias que alimenten su inspiración y aporten realismo a sus descripciones. Un escritor no se puede pasar la vida encerrado entre cuatro paredes, necesita vivir experiencias si quiere que sus descripciones sean fieles a la realidad.

Escribir para los cinco sentidos es un ejercicio que requiere de experiencia; sólo con la práctica asidua conseguirás sumergir completamente al lector y hacer que sus cinco sentidos se activen.

Las metáforas también juegan un papel muy importante a la hora de transmitir sensaciones. Esta valiosísima herramienta de escritor te puede ayudar a plasmar sobre el papel emociones y sensaciones que creías imposibles de transmitir. Además de ser un embellecedor natural para la narración.

Adjetivos para los cinco sentidos.

Normalmente, a la hora de describir, solemos utilizar siempre los mismos adjetivos. A continuación, tienes una lista de adjetivos poco usuales que pueden servir para hacer descripciones más certeras y originales.

Más que en la interacción de personajes, el uso de adjetivos es esencial en las descripciones de paisajes. Pues cada sentido se ve afectado por la presencia del entorno, y del mismo modo que el personaje lo está sintiendo, es menester del escritor trasmitir estas emociones al lector. Aportando adjetivos valorativos, sugerentes y precisos se pueden plasmar estas sensaciones sobre el papel, como se muestra en los siguientes ejemplos:

Vista: El prado verdeante dejaba entrever algunas amapolas.

Gusto: El humo de la hoguera dejaba un sabor amargo en la garganta.

Tacto: Sus dedos resbalaron por el cristal frío y sudado de la cerveza.

Oído: El barullo del mercado penetraba punzante a través de los oídos.

Olfato: El aroma dulce de las fresas del huerto llenó sus pulmones.

Cada adjetivo, por regla general, hace referencia a uno de los cinco sentidos. Puedes utilizar todos estos como recurso para tus propias descripciones. Así te será más fácil darle realismo al entorno y hacer que los cinco sentidos sean partícipes de tu obra.

Adjetivos para la vista.

Amarillo, anguloso, azul, blanco, circular, cuadrado, grande, minúsculo, negro, pequeño, redondo, verde, violeta, rojo, triangular, lívido, turquesa, índigo, añil, azulgrana, colorado, bronceado, albo, púrpura, nacarado, encarnado, rubio, dorado, verdinegro, pajizo, pardo, oliváceo, castaño, tabaco, avellanado, parduzco, trigueño, fucsia, cobrizo, marengo, ceniciento, grana, magenta.

Adjetivos para el oído.

Atronador, penetrante, estridente, rumoroso, martilleante, cavernoso, retumbante, crujiente, destemplado, susurrante, vibrante, insistente, chirriante, bronco, agudo, alto, atronador, bajo, bullicioso, cadencioso, cascabelero, chirriante, clamoroso, crujiente, estrepitoso, estridente, estruendoso, fragoso, fuerte, gangoso, martilleante, metálico, mugidor, rechinante, resonante, ronroneante, ruidoso, silbante, sostenido, susurrador, ululante, vibrante, zumbador.

Adjetivos para el olfato.

Embriagador, sofocante, penetrante, refrescante, fétido, apestoso, espeso, maloliente, viciado, excitante, aromático, fragante, concentrado, mareante, agradable, apestoso, aromático, asqueroso, delicioso, desagradable, embriagador, excitante, fétido, fragante, hediondo, hediente, maloliente, mefítico, oloroso, odorífero, penetrante, pestilente, pestífero, refrescante, subyugante, etéreo, rancio, aireado, mohoso, viciado, fresco, putrefacto, tenue, ligero, floral, y acre.

Adjetivos para el gusto.

Apetitoso, insípido, dulce, afrutado, amargo, jugoso, insulso, dulzón, semidulce, agridulce, picante, empalagoso, rancio, ácido, podrido, salobre, amargo, ácido, agridulce, ahumado, delicioso, dulce, fresco, insípido, picante, rancio, sabroso, salado, soso, suave.

Adjetivos para el tacto.

Granuloso, gélido, templado, bochornoso, tibio, caldeado, quemado, espinoso, calloso, escamoso, nudoso, arenoso, fino, terso, viscoso, basto, blando, duro, tupido, estropajoso, tierno, hueco, dúctil, fláccido, maleable, flexible, áspero, aterciopelado, blando, caluroso, deformado, delicado, flexible, frío, húmedo, liso, macizo, pastoso, pegajoso, pesado, pulimentado, refrescante, rígido, rugoso, seco, sedoso, suave, tibio, untuoso.

¿Te ha sido útil esta información? ¿Sueles utilizar los cinco sentidos en tus narraciones, o te limitas simplemente a uno? Utiliza este conocimiento a tu favor y haz que tus descripciones sean intensas e inmejorables.

 

Mujeres guerreras y cómo crear personajes femeninos originales

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Estoy harto del estereotipo de doncella frágil y delicada como personaje femenino recurrente de los cuentos clásicos, como los escritos por los Hermanos Grimm y similaresUn tópico que se ha extendido como la pólvora y ha infectado gran parte de la Literatura Universal y el cine que hoy conocemos. Aunque su presencia es más evidente en series de televisión y películas, muchos libros tampoco están exentos de pecado.

Tres palabras: doncella en apuros. Una vez tiene su encanto. Dos tiene gracia. ¿Pero cuántas van ya? ¿Cuántos libros y películas existen donde hay un personaje femenino que necesita ser rescatado? La típica jovencita inocente y cándida, con una belleza y fragilidad de porcelana y con menos personalidad que un ladrillo. Cuya existencia se reduce a esperar a que la rescaten, mientras se pasa el día llorando desconsoladamente, rezando, cantando o durmiendo.

cómo crear personajes femeninosPero es que para colmo eso no es lo peor que le puede pasar a un personaje femenino. Cuando no es una doncella en apuros, es un reclamo sexual. Sobretodo en el cine, la figura del personaje femenino queda reducida a una cara bonita con un cuerpo despampanante, que hace cosas sin valor para la trama, como enamorarse del protagonista o reafirmar la condición de héroe del mismo. Seguro que se te ocurre algún ejemplo. Ya sabes, la típica chica guapa que va en tacones en pleno apocalipsis zombie. O la que enseña más carne de la que esconde a pesar de que la historia se desarrolla en las calles de Rusia. A veces, da la sensación de que son personajes creados con la única finalidad de captar espectadores masculinos. Y una seductora mueca de la actriz en el cartel promocional delata dicha intención. ¿Puede existir un personaje más comercial que eso?. Y un personaje comercial difícilmente puede ser un buen personaje.

La «doncella en apuros» que te da una paliza.

No me parece mal que el villano se encapriche de la chica y la secuestre. Es una trama aceptable como otra cualquiera. Pero que, en cuanto la mujer cae en manos del villano, quede totalmente inválida y a la espera de que aparezca el héroe de turno a salvarla me resulta ofensivo. Una mujer cualquiera (y ojo, digo cualquiera, ya no estoy hablando de una heroína curtida en mil batallas) intentaría escapar, resistirse y sobrevivir como sea. No veo realista que una chica encerrada en una torre se acurruque en una esquina a llorar y a esperar un milagro, sin ni siquiera comprobar posibles salidas. Ni un hombre, ni una mujer. Cualquier persona con dos dedos de frente en una situación de princesa Disney intentaría fugarse de mil formas, en vez de resignarse al cautiverio a la primera de cambio.

Me gustaría ver una princesa Aurora (La Bella Durmiente) que, en vez de pasarse toda la historia durmiendo, se despierta del maleficio tras una lucha interna y una fuerte voluntad. Derriba la puerta de un puñetazo, coge una espada de la vaina de una vieja armadura y se abalanza contra la bruja. Y aunque ésta se convierta en dragón, ella no se achanta y sigue lanzando espadazos a diestro y siniestro, hasta trozear a la bestia y salir victoriosa. ¿A qué suena bien? ¿Qué clase de «protagonista» (que hasta el título del libro y de la película hacen referencia a ella) se pasa todo el tiempo durmiendo?

El personaje tipo de doncella en apuros es un recurso narrativo como otro cualquiera. Hasta ahí estamos de acuerdo. Pero poco a poco hemos convertido a cualquier personaje femenino en una doncella desvalida que necesita ayuda del protagonista. Y a no ser que ella sea la protagonista, difícilmente es capaz de lograr hazañas que no queden eclipsadas por cualquier acción del protagonista.

cómo crear personajes femeninosPero tampoco basta con darle un par de responsabilidades, alguna que otra acción relevante en la historia y una palmadita en la espalda. Esta sería la clásica co-protagonista que acompaña al protagonista a todas partes y que hace lo posible por serle de utilidad (que a menudo es una chica muy sexy que está enamorada de él). No deja de ser un complemento del héroe, un recurso narrativo de apoyo, pero que no tiene fuerza por sí mismo. A todos esos personajes, si intentamos ver la historia desde una perspectiva donde el protagonsita no existe, el villano vence y todos mueren. Porque la chica por sí sola no puede hacerle frente a los mismos desafíos que el prota. Esto es así. Camúflalo como quieras. Dale superpoderes y una personalidad feroz a la chica, pero si es incapaz de brillar por sí misma, sin necesidad de reflejar la luz de otros personajes, entonces no es un personaje femenino digno.

Luego están las Mary Sues de turno, que no son precisamente doncellas en apuros sino todo lo contrario. Pero en estos casos es peor el remedio que la enfermedad. La Mary Sue es un recurso narrativo terrible, tan pobre y malogrado como repetir la doncella en apuros hasta la saciedad. No deja de ser otro cliché más.

¿Cómo combatir esto?

En primer lugar, no cometas el error de hacer que el personaje femenino sea una figura subyugada al protagonista. Dale un valor independiente. Debe ser una amenaza para la fuerza antagonista por sí sola. Y si ella es la protagonista, no le quites potencial apoyándola demasiado en sus aliados. Una cosa es conseguir grandes logros gracias al trabajo en equipo, y otra muy distinta es ser completamente inútil en solitario.

Olvida la creencia de que los hombres son más fuertes que las mujeres. Puede que lo hayas visto así en una gráfica, pero no tiene por qué ser igual en tu historia. La chica puede darle una paliza al musculoso villano, simplemente porque ha sido bien entrenada.

Pero la fuerza tampoco lo es todo. La inteligencia y la astucia pueden llegar a ser letales. Y estos son rasgos que cualquier personaje puede tener, independientemente de su sexo y edad. Lo único que tienes que hacer es elegir unos aspectos de tu personaje femenino y potenciarlos, dándoles un valor único en la historia. Puede que el protagonista sea más ágil y diestro con la espada, pero la chica puede ser más inteligente, más sabia y toda una experta en el tiro con arco. No permitas que el chico supere a la chica en absolutamente todos los aspectos. Este tipo de error, además de no ser nada realista, es denigrante para ella.

No obstante, puedes aprovecharte de los prejuicios del género para definir mejor (o al menos de un modo más creíble) a tus personajes, desarrollándolos a partir de un canon generalizado.

Los prejuicios del género.

Tanto a hombres como a mujeres se les atribuyen ciertos rasgos genéricos que les definen, pero que en ningún caso son determinantes.

¿Existe algún rasgo de personalidad o carácter que compartan todos los hombres del mundo? ¿Y todas las mujeres?

Definitivamente no. Puede que haya aspectos que posean casi el 99% de los hombres o mujeres, pero nunca en su totalidad. No puedes definir a tus personajes basándote en el sexo, porque te estarás basando en un cliché sin más fundamento que la estadística. Sería como decir que un caballo no puede ser blanco porque la mayoría de los caballos son marrones.

¿Y qué rasgos comparten la mayoría de hombres? ¿Y de mujeres?

Esto que voy a plantear es desde una perspectiva cultural, no personal. Pero si hubiese que categorizar en un mismo bloque a todos los hombres y mujeres, sería más o menos así:

Los hombres son fuertes, orgullosos y competitivos. Les seduce el poder y son territoriales. Temerarios a veces, pues la valentía se asocia a la masculinidad. La virilidad es su característica más poderosa. Son protectores con los suyos, agresivos ante la adversidad. Rudos, toscos y menos sensibles que la mujer.

Las mujeres son perspicaces y diligentes. Compensan su falta de fuerza respecto al hombre con flexibilidad y agilidad. Son sensibles, curiosas, orgullosas y astutas. Prefieren solucionar los problemas mediante la vía diplomática, y no les faltan recursos para salirse con la suya a toda costa. Protegen con uñas y dientes lo que es suyo, a veces incluso más que los hombres.

Podría decirse que esto es una «plantilla de personaje» de sexo masculino y femenino respectivamente. Aludiendo a la generalización cultural que se le atribuye a cada género.

Puedes tomar como punto de partida estas características, las que mejor representan a cada género en su conjunto. A partir de ahí, añade y elimina aspectos, según cómo quieras que sea el personaje. De esta manera quizá te resulte más fácil construir personajes masculinos y femeninos según la percepción cultural que todos tenemos.

No obstante, si crees que puedes crear un buen personaje sin necesidad de una «plantilla», te insto a que lo hagas. Tu personaje debe cumplir una función en la historia,  pero «recordarle al lector lo guay que es el protagonista» no es una función digna para ningún personaje. Los personajes principales, ya sean femeninos o masculinos, funcionan mejor como fuerzas individuales aliadas, que como complementos del protagonista. Y si tu protagonista es del sexo femenino, no crees una figura tan dependiente de sus aliados. Una chica no necesita un compañero musculoso para suplir su poca fuerza. Ella puede ser fuerte y musculosa. Esto puede parecer obvio, pero estoy tan harto de verlo en cine y televisión que considero necesario decirlo.

He realizado una lista con personajes femeninos que huyen del estereotipo de doncella en apuros y que además están maravillosamente desarrollados. La mayoría son protagonistas, pero también hay personajes principales y secundarios. Todas ellas muy diferentes entre sí, para que puedas apreciar que no hay que reunir unas características concretas para construir un buen personaje femenino.

10 ejemplos de buenos personajes femeninos.

Esta lista que recoge ejemplos de diez personajes femeninos maravillosos y totalmente autosuficientes a nivel narrativo. En la lista he recopilado personajes tanto de la literatura como del cine.

Ellen Ripley (Alien)

Probablemente la protagonista más icónica del cine de ciencia ficción. La teniente Ripley es todo un referente; una mujer fuerte, astuta, inteligente y valiente, que se enfrenta cara a cara a una de las formas de vida extraterrestre más mortífera del universo.

Elizabeth Benett (Orgullo y Prejuicio)

La Srta. Elizabeth Bennet no sólo es admirable como personaje dentro de la historia, sino dentro del contexto sociocultural en el que se expuso. Una mujer que nadó a contracorriente y siempre tuvo claro su propósito. Con una personalidad fuerte pero sin ser dominante y segura de si misma pero sin ser arrogante.

Scarlett O’Hara (Lo que el viento se llevó)

Maravillosamente interpretado por Vivien LeighScarlett O’Hara es un personaje perfectamente imperfecto. Tiene sus defectos, pero en su fuero interno es una superviviente que logra sobreponerse a la guerra y recupera su vida contra todo pronóstico. Se enfrenta a las penurias de la guerra y sale airosa de toda adversidad.

Nina Sayers (Cisne Negro)

La aparentemente frágil Nina Sayers es una prometedora bailarina, pero la presión que ejerce su madre y su coreógrafo la conducen a una espiral de caos y demencia. Durante la cinta sobrelleva una carga y una presión indecible, que desemboca en una magistral danza de transformación personal donde los límites de la realidad se destejen al ritmo de la música.

Penélope (La Odisea de Homero)

Si eres de los que piensan que los personajes femeninos solo han sido poderosos en las últimas décadas, te equivocas. La esposa de Homero, Penélope, es una mujer inteligente y con una voluntad a prueba de bombas. Sin perder la esperanza, se mantiene firme ante la presión de sus pretendientes y confía en el regreso de su marido a pesar de tener el mundo en contra.

the_golden_compass_by_adamhunterpeckLyra Belacqua (La Materia Oscura)

La edad tampoco es un requisito para ser una mujer fuerte y valiente. Lyra Belacqua sólo es una niña, pero eso no le impide viajar a través del mundo a lomos de un oso con armadura para evitar un conflicto interdimensional.

Amelie Poulain (Amelie)

¿Quién no conoce a Amelie? ¿Existe un mejor ejemplo de cómo un personaje puede ser magnífico y sencillo a la vez? Amelie es inocente, dulce, excéntrica y un poco cotilla. No es ninguna heroína, incluso tiene un peculiar sentido de la justicia. Tampoco hace grandes hazañas como para ganarse una escultura de oro. Pero aún así está rodeada por un halo mágico que impregna todo aquello que dice y hace. La importancia de las cosas pequeñas hacen de este personaje una obra maestra.

Clarice Starling (El silencio de los corderos)

Clarice Starling es la detective que va tras las pista de Hannibal Lecter, el genio psicópata y caníbal. Un trabajo tan peligroso como difícil, que requiere de inteligencia, dedicación y astucia. Clarice y Hannibal comparten una química y una relación que solo sería posible si ambas partes poseyeran una presencia y una inteligencia equiparable.

Daenerys Targaryen (Canción de Hielo y Fuego)

No se me ocurre un mejor ejemplo de ascensión que Daenerys. Empieza la historia siendo una insignificante pieza en el tablero de su hermano, pero por su determinación de hierro y azares del destino se convierte en reina y madre de tres dragones, somiéndo a sus enemigos bajo su fuego e imponiéndose triunfante ante cualquier adversidad.

Sarah Connor (Terminator)

El mundo entero creía que Sarah Connor estaba loca, pero aún así ella se mantuvo firme. Con todo en su contra y sin recursos se enfrenta a una amenaza del futuro diseñada para aniquilar. De los mejores ejemplos de mujer superviviente que se me vienen a la cabeza.

Esto son 10 personajes, pero la lista podría extenderse mucho más. Por suerte hay escritores que saben utilizar debidamente a la mujer como el concepto narrativo que se merece. Gracias a ellos tenemos personajes tan magníficos como los anteriormente listados. Y para que tus personajes femeninos sean así de auténticos y geniales, inspírate con buenos ejemplos, no con estereotipos. No veas a las mujeres, chicas, incluso niñas de tu obra como doncellas indefensas. Ellas también pueden dar tanta guerra (o más) que un hombre.

Si con todo esto ya tienes una idea clara sobre cómo crear personajes femeninos, me doy por satisfecho. Pon lo aprendido en práctica desde ya y no tardarás en ser un auténtico experto en desarrollo de personajes femeninos.

6 claves para mejorar los diálogos de tus personajes

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Muchos de vosotros me habéis preguntado sobre un mismo tema que os da problemas a la hora de escribir: los diálogos. Cuando dos o más personajes se ponen a hablar, os cuesta mantener una conversación interesante para el lector, al mismo tiempo que aporta el valor necesario para la historia. Pero calma, esta complicación es fácilmente subsanable. Te voy a dar 6 claves para mejorar los diálogos y evitar problemas de coherencia o continuidad. Toma nota, espero que te sean útiles:

1. No siempre es necesario nombrar a quién habla.

No necesitas especificar quién es el dueño de cada diálogo, en la mayoría de ocasiones se da por sentado sin necesidad de nombrar a nadie. Intenta leer una conversación entre tus personajes como si de una obra de teatro se tratase, ignorando toda la información añadida por el narrador. En el diálogo que sea ambiguo y no quede totalmente claro quién es la voz, puedes enunciar al personaje. Pero aquellos donde se sobreentiende quién está hablando, ya sea por el contenido, o porque es una conversación entre dos personas y justo antes había hablado el otro, no es necesario precisar. Si repetimos muchas veces algo que ya se daba por sentado, da la impresión de que se está tratando al lector como tonto y además de ser aburrido es frustrante.

2. No abuses del “dijo”.

Un fallo tremendamente común de los escritores noveles que no están curtidos en diálogos consiste en usar el “dijo” para prácticamente todo. No lo hagas. Si se utiliza siempre, o casi siempre que un personaje termina una frase, la lectura puede llegar a ser exasperante. La repetición de palabras priva al texto de fluidez, y el «dijo» no es una excepción. Existen montones de palabras que cumplen esa misma función indicativa que buscas. Usadas adecuada y oportunamente harán el texto mucho más agradable y llevadero. Lo que nos conduce al siguiente punto.

3. No utilices palabras rebuscadas si no es estrictamente necesario.

Inquirió, exhortó, aseveró, repuso, sentenció… muchos autores noveles, cuando descubren una de estas palabras en un libro, se la guardan con recelo para utilizarla en sus propios escritos. Hasta ahí todo bien, siempre y cuando sepas el significado y el propósito exacto de cada palabra. Es demasiado común encontrar diálogos aberrantes donde los personajes exhortan, aseveran, sentencian e inquieren sin ningún motivo. Asegúrate de saber qué significa cada verbo, y de si realmente es eso lo que está haciendo el personaje al hablar. Utilizar palabras raras porque «queda más guay» es un error muy común de los autores noveles. Si este es tu caso, debes erradicar esta costumbre cuanto antes.

4. Cada palabra de un diálogo debe cumplir una función para la trama.

Poner a dos personajes a hablar de temas banales e irrelevantes simplemente porque es “natural” es un somnífero para la historia. Esto ralentizará la trama, muestra información engañosa que despista al lector y para colmo le hace perder el tiempo. Si necesitas que en tu historia haya una conversación sobre temas banales, resúmelo directamente y no lo conviertas en diálogos. En vez de meter dos páginas de diálogos sobre un tema aburrido, explícale al lector en un párrafo de qué han hablado esos dos personajes. Míralo como si fuese una película, donde cada segundo es crucial para el metraje.

5. Debe percibirse la personalidad del personaje en cada diálogo.

Cada personaje tiene su propio registro al hablar; una actitud, unas muletillas, un lenguaje concreto, un acento, manías verbales, tics… Su personalidad depende de cómo la hayas diseñado, pero debe apreciarse también cuando habla, no sólo en sus acciones. Ten esto muy en cuenta a la hora de escribir los diálogos de cada personaje como individuo. Imagina la escena en tu cabeza y piensa cómo hablaría y gesticularía cada uno y si queda acorde a su forma de ser.

6. Despierta la curiosidad del lector y mantén la incertidumbre.

Raciona la información que quieres expresar en los diálogos. No sueltes toda la información valiosa de golpe, deja que el lector lo vaya asimilando poco a poco, que se sienta parte de la conversación. Un personaje puede decir que ha tenido una idea brillante, pero en lugar de soltarla de golpe puedes jugar un poco con la curiosidad del lector y posponer esa información un poco más. Jugar con la información que conoce cada personaje es una herramienta narrativa muy poderosa, y sólo con la práctica seremos capaces de sacarle todo el partido. No te limites a hacer un intercambio de datos cuando dos personajes se cruzan. Puedes hacerlo más interesante: puede que uno quiera algo a cambio, puede que el otro tenga que comunicarle algo muy importante y no sabe cómo hacerlo, puede que en el último momento alguien cambie de idea y al final no le diga lo que le tenía que decir. Las opciones son infinitas y dependen directamente del tipo de historia que estés narrando, por eso depende de ti sacarle todo el jugo a tus diálogos.

Pon en práctica estas herramientas en tus propios diálogos y notarás una mejora inmediata. Escribe con humildad, sin pretensiones ni palabras que se escapan de tu vocabulario. Narra los diálogos como si estuvieses contándole a un amigo lo que otro te ha dicho.

 

Cómo dar vida a las palabras para atrapar al lector

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Escribir una historia no consiste únicamente en amontonar palabras sobre el papel. Si el propósito total de la narración fuese contar una historia, nos limitaríamos a escamondar y resumir el contenido, dejando a la vista tan solo los acontecimientos más importantes y relevantes. Aquellos que, en su base, constituyen la historia en sí.

La inmensa mayoría de libros pueden resumirse en pocas palabras, dejando como resultado la trama desnuda y directa. Leyendo dicho resumen conocerás la historia. Vale, te perderás los detalles y se omitirán personajes secundarios, pero conocerás la misma historia al fin y al cabo. Todo resumido en unas pocas palabras.

Entonces, ¿por qué leer 500 páginas cuando podemos reducirlo todo en un par de párrafos? ¿qué nos aportan todos esos personajes secundarios tan «prescindibles» para la trama principal? ¿qué importan los detalles en las descripciones, cuando estos no alteran en absoluto la trama? ¿qué nos importa a nosotros los lectores conocer las manías más personales de los personajes y los detalles más insignificantes de cada lugar, cada objeto, cada escena… ¿qué importa todo eso? ¿No sería más fácil resumir la historia, el concepto en sí, y así el lector se ahorra tener que leer tropecientas páginas?

tumblr_inline_n39bk0aFSL1s4lv71Al fin y al cabo los detalles se olvidan. Si hace al menos tres años desde la última vez que leíste tu libro favorito, seguramente ahora sólo recordarás lo más esencial de la historia. Habrás olvidado a los personajes secundarios y todos los detalles habrán desaparecido de tu memoria. Entonces, ¿qué diferencia la lectura de un libro de 500 páginas de la de un resumen del mismo libro de 20? Total, al cabo del tiempo vas a recordar lo mismo, ¿no? ¿Donde está la gracia de leerse la versión larga de la historia? ¿Por qué no es mejor leer un resumen y ya está?

La respuesta a este interrogante es muy simple y evidente:

Porque la auténtica magia de las historias no consiste en conocer el argumento, sino en vivirlo. Hay momentos que no se pueden resumir, hay sensaciones que no se pueden explicar, emociones que no puedes entender si no estás delante cuando se manifiestan. Por eso leer un resumen de un libro es tan «espectacular» como mirar una foto de la aurora boreal. ¿Por qué iba a preferir ver una foto de las luces del Norte, pudiendo verlas en vivo y en directo? Es exactamente la misma distinción que existe entre leer un resumen y leer el libro completo.

Toda esta magia, todas estas emociones y sensaciones tan vívidas que se manifiestan durante la lectura no serían posibles sin el poder de las palabras.

El poder de las palabras.

Las palabras tienen poderes. Sí, poderes. Son capaces de despertar sensaciones increíbles con solo pronunciarlas. Afectan a nuestra mente y cuerpo de un modo que nunca llegaremos a comprender totalmente. Y esto no es sólo cosa mía, existe una teoría basada en la psicología, en la lingüística y en la informática que asegura que este poder es real. Es lo que se conoce como la PNL.

¿Qué es la PNL?

La PNL (Programación Neurolingüística) es un método cuya premisa principal consiste en que nuestra mente se organiza por palabras. Desde esa premisa, podemos alterar nuestros pensamientos con nuestras palabras. Por ejemplo, la PNL afirma que la manera en la que te hablas a ti mismo moldea tu mente y por tanto crea tu realidad. Si quieres cambios en tu vida debes cambiar las palabras que moldean tus pensamientos. Basta con saber cómo se codificó un pensamiento para descodificarlo, cambiarlo por otro y volverlo a automatizar.

Las palabras tienen una influencia inmensa en nuestra vida, pues son las herramientas que utilizamos en todas nuestras relaciones sociales. Basta un comentario amable para ganarse un amigo y una frase inoportuna para romper una amistad. Las palabras tienen el poder de crear y destruir, literalmente. Nunca las subestimes.

Si nuestro vocabulario es pesimista, es porque somos pesimistas. Si nuestro vocabulario es optimista, es porque somos optimistas. Así de simple. Para hacer que las palabras influyan en tu vida te basta con escribirlas o pronunciarlas. Un «te quiero» despliega una sonrisa y un «te odio» desata una punzada en el corazón. Y no dejan de ser palabras.

A estas alturas ya te habré convencido de la importancia de las palabras. Entonces, si una simple palabra es tan poderosa que puede desatar amor y odio según se emplee, ¿qué pasa con los libros? Montones de palabras cargadas de emociones y poder, ¿cómo usarlas adecuadamente?

Escribir desde el alma.

Algunos pensaréis que las historias son ficción, que no ocurren de verdad. Aparentemente solo son un amasijo de letras. Pero ese amasijo es capaz de desatar emociones reales. Nuestros lectores pueden llorar cuando un personaje querido muere, pueden sentir rabia e impotencia cuando el villano se sale con la suya, o ternura cuando ese chico tímido declara su amor.

Si lloras cuando tu personaje favorito muere, esas lágrimas son reales.

Llegados a este punto deberías entender por qué hay que tomarse muy en serio el papel de escritor, pues sobre tu pluma recae una gran responsabilidad. Narrar es crear. Las palabras van construyendo un universo en la mente del lector mientras sus ojos sobrevuelan las páginas. Narrar también es sentir. El escritor debe sentir la historia que escribe si pretende que sus lectores puedan disfrutar de las sensaciones que hay plasmadas en las hojas.

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Una historia tiene que mostrarse como algo real, aunque sea obvio que se trata de fantasía o ciencia ficción. Pero las palabras deben inspirar confianza y credibilidad en lo que se está diciendo. De modo que la historia resulte más convincente y sea más fácil sumergirse en ella.

Míralo de esta manera: un amigo te cuenta algo que le ha ocurrido a un conocido suyo. Es algo increíble, difícil de creer, pero te lo está diciendo tu amigo en quien confías plenamente. Entonces interpretas esa historia como algo real, aunque ni siquiera tengas pruebas fehacientes de lo ocurrido. En ese caso, ¿por qué no te ibas a creer lo que te cuenta un libro? ¿Y si el escritor está escribiendo algo que ha vivido? ¿Qué marca la diferencia entre la realidad y la ficción?

No dejan de ser historias, más o menos creíbles, pero historias al fin y al cabo. La clave está en cómo las percibes.

Leer y escribir con los ojos de un niño.

Todo es más maravilloso y divertido si se ve a través de los ojos de un niño, especialmente si hablamos de literatura. La magia de las palabras es más efectiva en niños, quienes tienen un potencial creativo inmenso y una imaginación sin límites. Ellos experimentan los emociones y sentimientos plasmados en las páginas con más intensidad y  viveza que la mayoría de lectores.

Cuántos niños han esperado su carta de Hogwarts tras leer Harry Potter. Cuántos han fantaseado con encontrar un portal a Narnia en su armario. Cuántos han soñado con visitar la Tierra Media tras leer El Hobbit. Los niños perciben la realidad que hay detrás de la ficcion. Por eso muchos de ellos realmente esperan que les llegue una carta de Hogwarts. Están totalmente convencidos. Y cuando no les llega la carta, rompen a llorar porque piensan que no son magos.

Esta percepción tan inocente es la que debe acompañar al escritor si pretende dar vida a las palabras. Pues no puedes hacer que algo cobre vida si ni tú mismo te lo crees. No estoy hablando de hacer caso omiso a la razón y escribir desde la ignorancia, donde todo puede ser falso o real al mismo tiempo, hablo de escribir con ilusión y ganas. Piensa en el poder de las palabras, piensa en lo que vas a despertar en tus lectores, piensa en cómo quieres vibrar con tu obra. Así lograrás que todo sea más real; tus personajes cobrarán vida, los lugares que imagines existirán en la mente colectiva de tus lectores y las aventuras que narres alimentarán la imaginación de la gente.

Utiliza las palabras sabiamente. Colócalas acertadamente en los diálogos para que estos transmitan exactamente aquello que quieres inspirar. Ten siempre en cuenta cada palabra, cada entonación, cada descripción del mundo… Imagina a tus personajes y haz que cobren vida en tu mente. Transporta esa vida sobre el papel gracias a la magia de las palabras y ejerce tu voluntad sobre sus acciones.

Recuerda que las historias son ficción, no son reales. Pero las emociones que despiertan sí lo son.

Al fin y al cabo… la realidad siempre supera a la ficción.

¿De dónde saca la inspiración un escritor?

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Alguna que otra vez, bastante a menudo, artistas y escritores buscan la quintaesencia que alimenta su creatividad: la inspiración.

En busca de la inspiración.

La inspiración es la savia de los creadores. Un escritor puede tener una gran prosa, una prodigiosa habilidad para la descripción, un don para la creación de personajes, una suerte para la narración de eventos, o una capacidad extraordinaria para conectar líneas argumentales.  Sin embargo, de la misma manera que no se puede construir una casa sin los materiales requeridos, toda esa habilidad queda reducida a cero sin la inspiración. Digámoslo así: ¿en qué trabajaría un médico en un mundo en el que las enfermedades no existen? ¿De qué serviría la seguridad en un mundo en paz? O dicho de otro modo, ¿de qué le sirve a un escritor su habilidad si no tiene sobre qué escribir?

Para tener ideas podemos recurrir a casi cualquier cosa. A medida que vivimos nos vamos topando con pequeñas historias que siempre son buen material de escritura, desde vivencias personales hasta las noticias del telediario. Y ya puestos, siempre podemos recurrir a la Historia Universal, una mina de oro que ofrece infinitas posibilidades narrativas; podemos tratar hitos históricos o utilizar determinados periodos históricos como ambientación; la época victoriana, los años pre-revolucionarios en Francia, los largos meses en Estados Unidos de América con la Ley Seca. Las opciones son innumerables.

Hasta ahí todo bien: la Historia nos ha dado gran parte del trabajo hecho. No hay que crear nada relativamente nuevo; un buen libro que podamos rescatar de la biblioteca o un par de artículos de Internet pueden ser más que suficientes para tener el boceto inicial de una historia. Le añadimos temas recurrentes como el amor, los crímenes, la lucha de igualdad de clases o cualquier ingrediente similar con el fin de darle algún aliciente a la historia. A eso le sumamos una trama interesante y ya tenemos una base relativamente sólida para escribir una historia.

Sin embargo, si nos adentramos en el género fantástico o en la ciencia ficción, la situación cambia drásticamente. Estamos hablando de un mundo que el escritor conoce, pero que nadie más ha visto. Ante esto el escritor tiene la responsabilidad de mostrar su mundo al lector de un modo claro y con un lenguaje que el propio lector conozca.

Dando otro breve repaso histórico, desde siempre ha sido supersticiosa y ha creído en cosas por entonces inexplicables. Poco a poco crearon uno de los primeros conceptos abstractos de la humanidad, que era lo sobrenatural, lo divino y lo mágico. Siglos y milenios después tenemos un buen filón de creencias e ideas que han servido de combustible para muchas historias; la mitología, los fantasmas, las hadas, las brujas, el mundo espiritual y un largo etcétera. Algunas de las obras de terror y ficción más populares de la Historia de la Literatura beben de estas creencias, como es el caso de Drácula de Bram Stoker. Él ha sabido aprovechar maravillosamente la figura mitológica del vampiro, hasta tal punto de convertirlo en un arquetipo de la cultura universal de nuestro tiempo.

Hemos visto como de los upiros polacos se ha saltado al vampiro de Stoker, y más adelante encontramos este modelo de vampiro en las novelas de Anna Rice y en otras muchas obras que han hecho género. Lo mismo ha ocurrido con otras criaturas como demonios, ángeles o dioses, y hemos llegado a una encrucijada un tanto extraña: en la literatura fantástica casi siempre pecamos volviendo a utilizar modelos de criaturas y personajes que ya existen para añadirlos en un contexto nuevo. Para muchos escritores novel, la originalidad ha sido coger estos individuos y darles un empujón en su cadena evolutiva y colocarlos en la actualidad, obligar a estos seres a ir al instituto, conducir coches y frecuentar discotecas. ¿Original? Bueno, hablaremos más delante de ello.

Y aquí es donde entra la originalidad.

De la forma más sincera posible puedo asegurar que ser original es algo terriblemente difícil. Para mí ser original no significa únicamente crear una historia con un argumento interesante: también dependen cómo sean los personajes, las circunstancias, el contexto o las criaturas, enemigos y adversidades (no es obligatorio que tengáis que crearlo todo).

Pondré un ejemplo: Laura Gallego García se subió al podio tras escribir Memorias de Idhún, obra aclamada como pocas dentro del ámbito de literatura juvenil española. Pero, ¿es realmente para tanto? Laura no ha inventado el concepto de dragón. No ha inventado el concepto de unicornio. Tampoco es que mezclar una serpiente con alas sea una gran innovación (de hecho existen tipos de dragones similares). No hablemos ya de magia, reinos enfrentados, otros mundos, dioses y profecías, triángulos amorosos, razas y enfrentamientos. Laura no ha creado todo eso. Ella recogió esos elementos y los dispuso de una manera que le parecían idóneos para una historia.

Ahora, ¿es Memorias de Idhún una historia original? Desde mi punto de vista, no lo es. Tampoco lo es, visto así, Eragon, ni Harry Potter. No han creado nada nuevo, pero han sabido mezclar elementos que han funcionado, han creado platos que han gustado al paladar. No han creado nada desde cero pero han sabido sumar porcentajes correctos, algunos más que otros, para crear fórmulas que los han llevado al éxito.

Resumiendo: el ser humano no es original, el escritor en este caso tampoco lo es. La creación más exótica del mundo de una novela de fantasía puede ser producto de la mezcla bien hecha de muchas referencias del mundo real. Así pues, más que creadores, podríamos decir que el escritor es un mezclador, una figura que busca su propia fórmula de la piedra filosofal literaria.

Sin embargo, conseguir una buena mezcla de elementos es difícil, muy difícil. Si echamos una ojeada al libro Morfología del cuento de Vladimir Propp, podemos ver el estudio y reflexión de elementos como la organización de la historia, las características de los personajes auxiliares, las vueltas de guión del antagonista, temas recurrentes, etc. Y si un escritor novel de literatura fantástica lo lee detenidamente puede descubrir que sus escritos nunca han sido muy originales después de todo.

Hablemos de las musas…

El escritor posee esa musa que nos visita cuando quiere, y muchas veces se aleja durante mucho tiempo, pero su regreso es aún más dulce y provechoso. Pero aquí mi consejo: no tengas musas.

“No me apetece escribir” no es una excusa para decir que tu musa no está. Puedes no tener ganas, pero reconócelo y ya. No es un crimen.

Recuerdo cuando me obligaba a escribir, sin ninguna musa mirándome ni nadie suplicando que lo hiciera. La historia estaba tan clara en mi cabeza que cuando empezaba a escribir un párrafo salían cinco páginas. Mejor o peor escritas, con repeticiones o faltas de ortografía que harían que un analfabeto se enojara conmigo, pero ahí estaban. Podía seguir el hilo con más facilidad, recordar mejor los detalles, y más aún: tenía tantas ganas de continuar y dejar que fluyera todo lo que quería contar. No necesitaba inspirarme, buscar ideas nuevas: a medida que escribía y me encontraba con algún bache, me veía con la necesidad de idear rápidamente posibles salidas, posibles rumbos.

Una vez Piotr Tchaikovsky dijo:

La inspiración es un huésped que no visita de buena gana al perezoso.

Esa frase fue la que me impulsó a seguir escribiendo o seguir buscando ideas. Un escritor que se sienta a esperar que aparezca de la nada la idea correcta para su novela, es un escritor que pierde tiempo, pierde posibles mejores ideas y se arriesga a que esa “solución” no traiga sino otro bache o problema por el cual tenga que repetir esa misma meditación. No lo aconsejo.

Yo siempre he sido muy de soñar despierta.  Ahora que soy una adulta y sigo soñando despierta, intento no pasar por algo ninguna idea, ningún detalle, por alocado que sea. Un pensamiento sobre algo que has estudiado y al que le das cuerda puede ser el primer escalón para una gran historia. Una reflexión sobre algo que hayas vivido y al que le hayas dado una vuelta de tuerca puede ser un hilo con el que enredar y coser tu historia. Una discusión, una imagen, cualquier cosa que te plantees desde un punto de vista distinto puede ser el eje mismo de tu historia.  He leído bastantes libros de cultura, arte e historia, y no pocas ideas y detalles he sacado de esos volúmenes al preguntarme un “¿Y si…?”. Y ya si los logras mezclar bien todo eso que se te ha pasado por la mente como un buen mezclador, puedes lograr algo terriblemente interesante. Y es entonces cuando la musa estará siempre contigo.

Plantéatelo así: la inspiración es la típica chica caprichosa que se acerca por interés. Si prefieres quejarte de las pocas ideas que se te ocurren, esa chica nunca te prestará atención. Si por el contrario, aprendes a ser constante, a escribir un par de líneas cada día con lo primero que se te pase, a pensar en un párrafo, en juntar ideas, en darle aceite a los engranajes de tu imaginación, pues esa chica irá detrás de ti como si la vida le fuera en ello. Y deja de buscar esa quintaesencia. Quizás aún no lo sepas pero la inspiración está dentro de ti.

Así que, querido lector, si has llegado hasta aquí, primero felicítate por haber leído todo esto. Después, reflexiona un poco y ponte a pensar, a meditar, a leer, escribir, narrar, ver, escuchar, y a hilar y mezclar. Es hora de ponerse a trabajar. Te espera un camino muy largo de desechar tantos borradores de ideas como de relatos hasta dar con el que sea de tu gusto.

Además, ¿quién dijo que escribir fuera fácil?

Balance del mes de Inteligencia Narrativa

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El 28 de Mayo empezó oficialmente Inteligencia Narrativa. Hoy, a 28 de Junio, hace exactamente un mes de entonces. Qué mejor momento que éste para hacer un balance de lo que se ha conseguido en este tiempo, que no es poco.

Es importante puntualizar que, antes de empezar, ya tenía bien pensado cómo quería que fuese el blog, cómo lo iba a organizar y qué entradas iba a escribir. Es decir, aunque oficialmente tenga un mes de vida, extraoficialmente existen muchas horas previas de trabajo y meditación. El resultado nunca habría sido el mismo si hubiese prescindido de todo el tiempo preliminar de reflexión y análisis.

Durante mucho tiempo el blog ha permanecido en la sombra, mientras redactaba contenido y terminaba mis libros. No fue hasta hace un mes cuando lo lancé públicamente a través de las redes sociales. Quería estar totalmente seguro de que, una vez fuese público, sería capaz de publicar dos entradas semanales con toda garantía.

Estos resultados son a fecha del 28 de Junio de 2015.

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Contenido

A más de dos entradas a la semana (debido principalmente a ser el primer mes y querer maximizar las visitas y la difusión) el alcance y el éxito de Inteligencia Narrativa ha sido más que evidente. Todos los posts han tenido una buena acogida, aunque algunos más que otros. Estos han sido los artículos de este mes:

10 características que convierten a un personaje en una Mary Sue

30 blogs de literatura que no te puedes perder

10 lecciones magistrales de escritores para escritores

Las 7 claves del éxito de Juego de Tronos

70 preguntas que tienes que hacerte para crear un personaje

¿Qué es mejor, un juego de rol en papel o un videojuego de rol?

Amantes de la Ortografía y por qué deberías mejorar tu escritura

¿Quién es el protagonista en las películas de Los Vengadores?

¿Por qué nos gustan tanto los Juegos de Rol o RPG?

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Datos de Tráfico

Con una media de 400 visitas diarias y una máxima de 2.701 el 24 de Junio, los resultados son sencillamente espectaculares. Y lo mejor de todo es que la curva no deja de crecer, las visitas aumentan y a una velocidad pasmosa. Haber alcanzado 2.701 visitas y 3.600 compartidos en una única entrada en un mes ha superado todas mis expectativas.

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Lo más leído

Los tres artículos más leídos son 30 blogs de literatura que no te puedes perder, Amantes de la Ortografía y por qué deberías mejorar tu escritura y 50 preguntas que tienes que hacerte durante la creación de un mundo fantástico. Seguidos muy de cerca por los de categoría rolera.

En general, el éxito de las categorías es bastante uniforme. No hay ninguna categoría que haya quedado especialmente aislada, por lo que no es necesario replantearse una posible suspensión.

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En las redes sociales

La acogida a Inteligencia Narrativa en las redes sociales ha sido increíble. Alcanzando una cuota de seguidores muy por encima de lo esperado. Casi 300 seguidores en Twitter y 400 en Facebook en tan solo un mes. Todo un récord. Gracias a todos los que me seguís y habéis hecho posible esta cifra tan impresionante.

Estos son los resultados obtenidos a fecha de 28 de Junio de 2015 en las redes sociales:

Twitter: 287

Sígueme en Twitter si aún no lo has hecho.

Facebook: 402

Sígueme en Facebook si aún no lo has hecho.

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Newsletter

Soy el primero que odia tener la bandeja de entrada llena de correo inútil y SPAM. Y precisamente por eso quiero que mi Newsletter sea lo más precisa, breve y efectiva posible. Recibirás un email semanal que te pondrá al día de lo que ha ocurrido a lo largo de la semana. Me parece mucho mejor que recibir un email diario que a mi personalmente me agobia, siento como que se me acumulan las lecturas. Uno a la semana resumiendo todo el contenido me parece más acertado. En caso de ofertas o eventos especiales también serás notificado, para no perderte nada que pueda interesarte. Esta iniciativa empezará desde ya, así que, si aún no estás suscrito ¡apúntate!

 

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Feedback

De lo que más me he sorprendido es de la cantidad de comentarios que se han disparado en tan pocas semanas. Normalmente la gente que sigue blogs rara vez se toma la molestia de comentar algo. En el caso de Inteligencia Narrativa, la bandeja de comentarios está a rebosar.

Respecto a la popular entrada de 30 blogs de literatura que no te puedes perder. Tanto en los comentarios como a través de las redes sociales me habéis dejado unas muy buenas sugerencias de blogs que desconocía. He anotado tantos y de tan buena calidad, que me veo en la obligación de ampliar la lista en un futuro. Cuando haya descubierto unos cuantos más intentaré que la lista sea de 50 blogs de literatura que no te puedes perder. Además de otra que será exáctamente lo mismo pero en menor número y de blogs en inglés.

Os animo a que sigáis así, comentando y compartiendo. Me ayuda un montón.

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Conclusión

Mire como se mire son unas cifras récord. Lo más duro de los blogs es arrancar, y esto ha empezado como una locomotora. Superada la fase de no me lee nadie, algo que en la mayoría de blogs se alarga hasta los siete u ocho meses, a mí no me ha durado ni una semana.

Esto demuestra que la gente en Internet sabe apreciar el trabajo duro y son muy buenos críticos. He desarrollado artículos de más de 2000 palabras con un arduo trabajo de investigación previo. Pero el público ha sabido acoger debidamente ese esfuerzo y ha respondido.

Vuelvo a decirlo, ni en mis mejores expectativas habría imaginado unos resultados así el primer mes. Y como contrapartida a este increíble despegue, ahora tengo la responsabilidad mayúscula para no decepcionar a mis lectores. Aunque escribir es escribir, al fin y al cabo. Da igual que lo hagas para diez o para mil personas. Pero existe un factor humano que altera esa ecuación. Y es que, del mismo modo no es lo mismo dar un concierto para diez personas que para mil, el compromiso con uno mismo es mayor cuanto mayor es su público. Por ello seguiré mejorando e innovando incansablemente.

Gracias a todos por el apoyo.

30 blogs de literatura que no te puedes perder

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Navegando por la red encuentras auténticos tesoros. Con un poco de paciencia y sabiendo dónde buscar puedes hallar contenido de gran valor para escritores. La mayor parte de este conocimiento está a nuestro alcance de manera gratuita, un conocimiento por el que yo pagaría sin pestañear. Y está ahí, gratis. Gracias a Internet se comparte todo tipo de contenido excepcional de manera totalmente altruista. Y si nos interesa un tema, como es la literatura en este caso, hay que ser inteligente, aprovechar y empaparse de toda esa información.

Por ello he hecho esta lista de 30 blogs de literatura de todo tipo: desde reseñas de libros, talleres literarios, actualidad, editoriales, autopublicación, etcétera. De los mejores sitios de Internet de habla hispana para escritores y amantes de la literatura.

Está de más decir que en esta lista no están todos los blogs de literatura de la red, en absoluto. Ni siquiera están los más importantes. Están exclusivamente aquellos que yo he considerado que estén. Tampoco soy omnisciente, ni conozco todos los entresijos de Internet. Seguro que hay blogs estupendos que desconozco. Si conoces alguno, o tú mismo tienes un blog de esta temática y quieres compartirlo, no dudes en decirlo en los comentarios. Probablemente en un futuro haga una versión ampliada de la lista.

Es imposible resumir estos blogs en dos o tres palabras, así que he optado por mencionar aquello que más los representa, o al menos aquello que más me gusta de cada uno. Todos tratan temas literarios, aunque cada uno lo hace a su manera. No hay dos blogs iguales en esta lista. Ni siquiera parecidos. Pido disculpas adelantadas si alguien considera que no he categorizado correctamente alguno de lo blogs, pero de por sí son demasiado variados como para reducirlos a pocas palabras.

Que quede claro: esto NO ES UN RANKING. La lista que muestro a continuación es totalmente aleatoria, no sigue ningún orden concreto, y mucho menos preferente. Ni el primero es el mejor, ni el último es el peor. Ni viceversa. He recopilado los sitios de Internet que me han parecido de calidad, útiles e interesantes (la mayoría de ellos los sigo personalmente) y me ha parecido una buena idea compartirlos con vosotros. Me he asegurado de que todos los blogs siguen activos, así que no perderás el tiempo visitando cualquiera de ellos. Te recomiendo que te lo tomes con calma, pues cada una tiene mérito y contenido para tenerte muchas horas atrapado delante del monitor.

 

BlogAutor/esDirecciónTemáticaTwitter
1LecturaliaAlfredo Álamohttp://www.lecturalia.com/Comunidad literaria@Lecturalia
2Factoría de AutoresVarioshttp://www.factoriadeautores.comTalleres de Escritura@Factoriaautores
3Enrique PáezEnrique Páezhttp://www.enriquepaez.com/
Talleres de Escritura@enriquepaez
4Escritura Creativa Clara ObligadoClara Obligadohttp://escrituracreativa.com/Talleres de Escritura@claraobligado
5LiterautasIria López Teijeirohttp://www.literautas.comTalleres de Escritura@literautas
6Talleres Literarios OnlineCovahttp://talleresliterariosonline.com/Talleres de Escritura@CovaTLO
7Escuela de Formación de EscritoresVarioshttp://escueladeformaciondeescritores.es/Talleres de Escritura@EscuelaEFE
8Asociación de Páginas de OrtografíaVarioshttp://www.apoes.org/Ortografía y Gramática@OrtografiaAPO
9Laboratorio de EscrituraVarioshttp://laboratoriodeescritura.com/Literatura y reseñas@labescritura
10Oficio de EscritorAlejandro Quintanahttp://www.oficiodeescritor.com/Recursos para escritores@jandroquintana
11El Placer de la LecturaVarioshttp://www.elplacerdelalectura.com/Literatura y actualidad@Placer_Lectura
12SttoryboxComunidadhttp://www.sttorybox.com/Comunidad crítica y literaria@Sttorybox
13Actualidad LiterariaVarioshttp://www.actualidadliteratura.com/Literatura y actualidad@A_Literatura
14Typewriter NotesJanina Floreshttp://www.janinaflores.com/Literatura y reseñas@TypewriterNotes
15Nerea NietoNerea Nietohttp://diariodeunaescritora.nereanieto.comRecursos para escritores@diarioescritora
16SoncritoresVarioshttp://soncritores.blogspot.com.es/Asesoramiento literario@Soncritores
17Tinta al SolYolanda González Mesahttp://www.tintaalsol.com/Recursos para escritores@tintaalsol
18Escuela de Escritura CreativaVarioshttp://www.escueladeescrituracreativa.com/Talleres de Escritura@cursosescritura
19El BoomeranVarioshttp://www.elboomeran.com/Literatura y reseñas@elboomeran
20José NogueraJosé Noguerahttp://josenoguera.es/Autopublicación y Marketing@thejosetree
21Ebook HermanosEduardo Archanco y Peio Archancohttp://ebookhermanos.com/Autopublicación y Marketing@EbookHermanos
22SinjaniaVarioshttps://www.sinjania.com/Talleres de Escritura@sinjania
23TrotalibrosJanhttp://www.trotalibros.es/Literatura y reseñas@trotalibrosblog
24Libros y LiteraturaVarioshttp://www.librosyliteratura.es/Literatura y actualidad@librosylit
25Papel en BlancoVarioshttp://www.papelenblanco.com/Literatura y reseñas@papelenblanco
26Anika Entre LibrosAnikahttp://www.anikaentrelibros.com/Literatura y reseñas‏@anikalibros
27Verbalina Escritura
Varioshttp://www.verbalina.com/Talleres de Escritura@Verbalina_EEC
28Esfera LibrosVarioshttp://www.esferalibros.com/Literatura y editorial@esferalibros
29WattpadComunidadhttps://www.wattpad.comComunidad literaria@wattpad
30ViviliaComunidadhttp://www.vivilia.com/es/Trabajo Freelance@vivilia

Las 7 claves del éxito de Juego de Tronos

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Estoy seguro de que si te digo: Juego de Tronos, inmediatamente sabes a qué me estoy refiriendo. Da igual que seas de esos a quienes no les van las series, el género de fantasía, o ninguna de las dos cosas. Da igual que no hayas visto una serie o leído un libro en tu vida, de un modo u otro habrás oído hablar de Juego de Tronos. Aunque si estás leyendo esto probablemente ya estés curtido en sagas y series fantásticas, especialmente en ésta, así que intentaré minimizar los preámbulos.

Este artículo está exento de spoilers, puedes leer con tranquilidad.

Antes de nada quiero dejar claras unas cuantas cosas. Este artículo tiene detrás muchas horas de investigación e indagación, pero eso no quiere decir que si copias literalmente las 7 claves aquí dadas vayas a vender tú también un best seller. A la hora de evaluar el por qué de un éxito literario (o televisivo), hay factores circunstanciales que escapan de todo análisis, imposibilitando la receta infalible del best seller. Ahora bien, si Juego de Tronos ha triunfado tanto, aquí está el por qué. Pero lo dicho, emular los motivos de un éxito no garantiza nada.

Que no te engañen, no existe un «Cómo escribir un best seller» o «Cómo ser un escritor multimillonario». Por una razón muy sencilla: una obra maestra no siempre hace rico y famoso a su autor, pues el arte es demasiado subjetivo como para establecer un patrón general e infalible. En las librerías hay montañas de libros magníficos escritos por un autor que casi nadie conoce. De hecho, Canción de Hielo y Fuego (el nombre de la saga literaria de la que deriva Juego de Tronos) ya tenía un buen puñado de seguidores y había cosechado bastante fama a nivel literario, pero nada comparable a la tremenda obsesión masiva a nivel mundial que ha generado gracias a la serie. El éxito de una obra siempre está sujeto a aspectos que el autor no controla, y es por ello que no puedes escribir un libro con un 100% de garantía de que será un éxito arrollador.

Pero crear y triunfar con algo tan maravilloso como Canción de Hielo y Fuego tampoco ha sido cuestión de suerte. George R. R. Martin, su autor, ha trabajado toda su vida como guionista y ha dedicado inconfesables años a crear el fantástico mundo de Poniente. El trabajo que hay detrás es incuestionable, toda una proeza literaria digna de elogio. Y una vez hemos valorado esto cabe preguntarse, ¿cuáles son las claves del éxito de Juego de Tronos?

juego de tronos 3

Ojo, aquí hablaré refiriéndome al éxito de la serie de la HBO, no de la saga literaria. Al tratarse de géneros completamente distintos es conveniente matizar este punto, ya que las diferencias son más que considerables. Inclusive a nivel de guión es bastante diferente. Además, la serie cada vez se distancia más de los libros según avanzan las temporadas. Aún así, la esencia de la serie deriva de los libros, por lo que estas 7 claves también podrían ser aplicables a la saga literaria, a su modo.

Y vuelvo a formular la incógnita: ¿Cuáles son las claves del éxito de Juego de Tronos? ¿Por qué gusta tanto? ¿Por qué ha enganchado a gente que ni siquiera era aficionada al género? 

Estos son, desde mi punto de vista, 7 de los aspectos que han hecho de Juego de Tronos una serie de éxito a nivel mundial:

1) Realismo.

Juego de Tronos es tan realista que podría pasar perfectamente como un pasaje de nuestra Historia Universal. Seres humanos imperfectos, plagados de virtudes y defectos por igual, cada uno con su objetivo más o menos egoísta. Acontecimientos y eventos perfectamente planteados a raíz de situaciones conflictivas, políticas y sentimentales. Curiosamente, en nuestra propia Historia podemos encontrar situaciones muchísimo más increíbles que muchas de las que ocurren en la serie. De hecho, es oficial que el propio George R. R. Martin se ha inspirado en la Historia de Inglaterra para crear Poniente y los entresijos políticos que conforman su sociedad. Esta similitud de acontecimientos y el realismo que conlleva ayuda al espectador a sumergirse en la trama. Y así adentrarse en la propia Historia de un mundo ficticio, como si de algo auténtico se tratase.

2) Cualquiera puede morir.

martinEste realismo nos lleva al siguiente punto: Cualquier personaje puede morir. Parece una tontería, pero a nivel de guión es un aliciente muy poderoso. Estamos tan acostumbrados a ver series y películas que siguen un patrón que, saber que hasta el protagonista puede morir en cualquier momento crea una tensión constante en cada escena. Quienes siguen la serie saben que esto es un arma de doble filo, pues el hecho de que sea fácil terminar muerto nos invita a reprimir nuestro afecto hacia los personajes más simpáticos. El hecho de que Juego de Tronos esté ambientada en un medievo fantástico, pero con toda la crudeza y violencia de dicha época, no permite al espectador bajar la guardia en ningún momento. Y menos aún cuando su personaje favorito está en escena.

3) Ni buenos, ni malos.

No hay héroes, no hay villanos, simplemente hay personas con propósitos. Como un acercamiento adicional a la realidad, donde las personas totalmente malvadas o totalmente buenas no existen. Alguno pensará que Atila el Huno es una excepción, pero incluso alguien como Atila tenía sus virtudes. Y no iba motivado exclusivamente por el fuego y la destrucción. Tenía familia, amaba a sus hijos y a su pueblo. El elenco de Juego de Tronos es tal que así. Cada cual busca sus intereses, o los de su familia, movidos por sentimientos y emociones totalmente humanas. La figura del héroe es muy abstracta, siendo el antihéroe el concepto rey de la serie.

4) Puedes elegir un bando.

En Juego de Tronos no existe un único protagonista. De hecho, hay demasiados personajes principales. El formato de novela río le ha permitido a R. R. Martin crear varios frentes donde disponer a un vasto elenco de personajes, cada cual con sus objetivos e intereses. Algunos son más honrados que otros, los hay egoístas, altruistas, pero es terriblemente difícil tener un único personaje favorito. Cada espectador apoya a una Casa (o a varias) o a un personaje (o a varios), de manera que se genera una rivalidad con el resto de personajes que rivalizan con el nuestro, algo que no podría ocurrir si existiese un único protagonista. El hecho de que existan bandos y podamos decantarnos por uno o por otro es un fuerte aliciente, que invita a seguir la historia constantemente.

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5) Se anticipa a las anticipaciones. Es impredecible.

R. R. Martin es un experto en guión, conoce los tópicos y clichés que siempre se repiten en la literatura, en el cine y en la televisión. Por regla general, la mayoría de guiones se rigen por una serie de pautas y tramas prediseñadas, que consiguen una reacción determinada en el espectador. Al tener éxito, estas fórmulas se han ido repitiendo una y otra vez, hasta tal punto que cualquier persona, sin conocimientos previos sobre guión, puede predecir lo que ocurrirá en una trama tan sobreexplotada. Pero George R. R. Martin le da la vuelta a esto. Predice nuestra predicción, y ahí reside su magia. Sabe perfectamente cómo piensa el lector/espectador promedio, y valiéndose de la confianza que todos manifestamos cuando creemos saberlo todo sobre historias, ahí precisamente es dónde ataca. El espectador promedio se considera inteligente y confiado durante la lectura, capaz de predecir los movimientos y giros de guión que la trama le puede ofrecer. Por esta actitud tan defensiva es muy difícil sorprender al lector con un giro inesperado y además plenamente justificado. No obstante, para R. R. Martin esto es un juego de niños, pues sabe cómo funciona la mentalidad de sus lectores. Y lo más importante: sabe cómo usarlo a su favor.

Su fórmula es la siguiente:

1) Recurre a un tópico fingiendo que lo ha cometido “accidentalmente”.
2) Desarrolla el tópico con total evidencia, haciendo que el final parezca algo predecible.
3) Al final ocurre todo lo contrario a lo esperado.

spoilersandiaNo quiero fastidiar a nadie con un spoiler, así que para explicar esto utilizaré la imagen de una sandía, que ejemplifica a la perfección la fórmula George R. R. Martin. Aquellos que siguen la serie, y hayan sabido identificar la escena «de la sandía», acaban de entender la efectividad de la susodicha fórmula.

Lo mejor de todo es que conocer esta fórmula no quiere decir que seas capaz de prever las nuevas jugadas. No es tan sencillo como positivar el concepto y empezar a verlo todo como si fuese a ocurrir precisamente lo contrario. Si nosotros imaginamos el desarrollo de una escena de una manera, es porque siempre lo hemos visto así. Predecir un final distinto no es nada sencillo. De hecho, ¿cuántas veces hemos sopesado mil desenlaces posibles para una historia, y al final no nos hemos acercado lo más mínimo a ninguno de ellos?

Pocas series de televisión o películas pueden presumir de sorprender al espectador de principio a fin. Juego de Tronos consigue esto cada minuto, en cada escena y en cada giro argumental. Es totalmente impredecible. No se rige por un patrón, pues en cada escena puede pasar de todo, o puede no ocurrir nada. La incertidumbre es constante y los personajes acompañan al espectador con esa sensación de desasosiego y desconfianza. En el momento menos pensado, quien menos te pensabas, hace lo último que te habrías pensado que podría hacer. Esta constante mantiene a los espectadores pegados a la pantalla. Y es que es imposible aburrirse viendo Juego de Tronos.

6) Personajes muy vivos.

La mejor forma de evaluar la calidad de un personaje es a través de su psicología. Analizarlo como si de una persona se tratase. ¿Son lógicas sus acciones? ¿Es realista en conjunto? ¿Posee convicciones contradictorias? En el diseño de personajes, la clave reside en buscar la perfección a través de las imperfecciones. Pues del mismo modo que ninguna persona es perfecta, un personaje tampoco puede serlo.

Juego de Tronos tiene personajes imperfectos y sublimes, construidos con gran dedicación y meticulosidad. Cada uno de ellos tiene vida propia, hasta tal punto que el espectador los llega a conocer incluso mejor que a sí mismo. Con esto, se logra crear una conexión emocional tácita y auténtica entre espectador y personaje. Es por ello que las muertes y penurias de algunos personajes nos afectan profundamente, más de lo habitual.

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7) Sexo, zombies y violencia.

Vale, todo lo anterior está genial, pero, ¿por qué hay gente tan aficionada a la que ni siquiera le gustaban las series o la fantasía medieval? Tres palabras: sexo, zombies y violencia. Una fórmula muy efectiva para ganar espectadores. Es muy triste decir esto, pero es así. Gente que no ha visto un episodio de una serie en su vida, y que no entiende el concepto de fantasía medieval, están enganchados a la serie y la siguen al día, ¿qué otra excusa iban a tener? Los productores de la HBO saben lo que vende: tienen una trama adictiva, unos personajes increíblemente realistas, a eso le suman escenas de sexo, desnudos innecesarios, masacres y torturas explícitas. El resultado es la serie más vista. Es un recurso muy comercial, pero efectivo.

Obviamente aquí se está dejando de lado todo el apartado técnico que hace que la serie funcione. Es decir, estas 7 claves del éxito de Juego de Tronos son las que puede apreciar directamente el espectador, pero no se debe olvidar todo lo que hay detrás: actores excepcionales, un equipo técnico, maquillaje, decorados, todo lo que trasciende más allá del guión. Una catedral no podría mantenerse sin los contrafuertes, pero tampoco podría existir sin ladrillos. Aquí se aúnan una serie de elementos excepcionales, que dan vida al resultado final que vemos a través de las pantallas. Pero después de un largo proceso de escritura, estudio, ensayo, rodaje y postproducción. Incontables labores que hacen que los libros de R. R. Martin cobren vida a través de la pantalla y lo hagan de un modo tan impresionante como el que ya conocemos. Creo que Juego de Tronos es un buen ejemplo de que el trabajo duro da los mejores frutos.

70 preguntas que tienes que hacerte para crear un personaje

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Anteriormente os invité a responder las 50 preguntas que tienes que hacerte durante la creación de un mundo fantástico. Pues ahora, ni corto ni perezoso, os traigo las 70 preguntas que tienes que hacerte durante la creación de un personaje. Responde a estas cuestiones poniéndote en la piel de tu personaje, ampliando su vida y su mundo con cada respuesta.

Con este cuestionario lograrás que tus personajes sean profundos y estés detallados. Pero ojo, tu personaje no está exento de ser surrealista y poco original con esto. Depende de ti que las respuestas a estas preguntas sean coherentes, realistas y que den forma a un personaje original y carente de clichés. Ten especial cuidado con las contradicciones, son más comunes de lo que se suele pensar.

Puedes partir de una idea aproximada de lo que quieres que sea el personaje, o puedes utilizar las preguntas para complementar a uno que ya hayas definido. Es muy común que se nos pasen ciertos detalles cuando se trata de construir una vida, generalmente aquellos que no suponen nada para la trama en sí, pero que son necesarios pues aportan realismo y solidez. El ejemplo más común es el dinero. ¿Cómo se gana la vida el personaje? Hay multitud de novelas y películas donde nos presentan a un aventurero que recorre el mundo en busca de emociones y experiencias nuevas, pero en ningún momento nos explican de dónde saca el dinero para pagarse sus viajes y alimentarse.

Responde a estas preguntas para que tus personajes sean consecuentes y haz las modificaciones que sean necesarias hasta conseguirlo. ¡Buena suerte!

Lo mas básico

1. ¿Cuál es su nombre completo?

2. ¿Tiene algún apodo?

3. ¿Cómo es físicamente?

4. ¿Dónde y cuándo ha nacido?

5. ¿Quienes son (o fueron) sus padres?

6. ¿Tiene hermanos? ¿Cómo son?

7. ¿Dónde vive actualmente?

8. ¿A qué se dedica? ¿Cómo se gana la vida?

9. ¿A qué clase social pertenece?

10. ¿Tiene alergias, debilidades físicas, miembros atrofiados o enfermedades?

11. ¿Qué transmite a la gente cuando habla? ¿Cómo suena su voz?

12. ¿Tiene alguna frase o coletilla característica al hablar?

13. ¿Qué lleva en los bolsillos normalmente?

14. ¿Tiene tics, manías, hábitos extraños u otras características que le definan?

15. ¿Tiene algún objeto, herramienta o instrumento que lleve consigo a todas partes?

Relaciones

16. ¿Por quién fue educado y criado?

17. ¿Qué vínculos fuertes creó durante su infancia? ¿Aún se mantienen?

18. ¿Qué relación tuvo y tiene con su padres y familia?

19. ¿Quienes son sus seres más queridos?

20. ¿Odia o desprecia a alguien? ¿A quién y por qué?

21. ¿Cuándo y de quién se enamoró por primera vez?

22. ¿Es virgen? ¿Con quién perdió la virginidad?

23. ¿Está actualmente enamorado de alguien?

24. ¿Qué clase de personas le simpatizan más?

25. ¿Qué clase de personas aborrece?

Crecimiento

26. ¿Cuál es su recuerdo más temprano?

27. ¿En qué se ha curtido? ¿Qué estudios tiene?

28. ¿Cómo fue su infancia? ¿Fue feliz? ¿Qué le gustaba hacer?

29. ¿Y su juventud?

30. ¿Qué eventos fueron determinantes en su crecimiento?

Confesiones

31. ¿Cuál ha sido su mayor logro en la vida?

32. ¿Qué es de lo que más se arrepiente?

33. ¿Qué es lo más cruel que ha hecho en su vida?

34. ¿En qué momento de su vida sintió más miedo?

35. ¿Qué es lo más embarazoso que ha hecho?

36. ¿Qué cambiaría de su vida si pudiera?

37. ¿Cuál es su mejor recuerdo?

38. ¿Y su peor recuerdo?

39. ¿Qué es lo que más ambiciona?

40. ¿Quién ha tenido mayor influencia en él o ella?

Conducta y Moral

41. ¿Cuál es su mayor temor? ¿Tiene alguna fobia?

42. ¿Es religioso o practica alguna fe?

43. ¿Cuáles son sus ideales políticos?

44. ¿Es un ser moral? ¿Qué ética sigue?

45. ¿Es emocionalmente abierto o le cuesta expresar sus sentimientos?

46. ¿Discrimina o tiene prejuicios?

47. ¿Se guía por la pasión o por la razón?

48. ¿Moriría por alguna persona o causa?

49. ¿Tiene algún código de conducta autoimpuesto?

50. ¿Prefiere el orden o el caos?

51. ¿Cómo se comporta en público?

52. ¿Y con gente de confianza?

53. ¿Le importa lo que los demás piensen de él o ella?

54. ¿Es una persona culta?

55. ¿Qué valores aprecia en sí mismo y en los demás?

Preferencias y Cualidades

56. ¿Qué le gusta hacer en su tiempo libre?

57. ¿Cuál es su color favorito?

58. ¿Y su comida favorita?

59. ¿Qué libro o película le define mejor?

60. ¿Qué es lo que mejor sabe hacer?

61. ¿Y lo que peor se le da?

62. ¿Qué tres palabras le definen mejor?

63. ¿Qué tres palabras describen mejor su personalidad?

64. ¿Con qué tres palabras le describirían quienes le conocen?

65. ¿Cómo le gustaría morir?

Objetivos

66. ¿Qué le mueve y motiva cada día?

67. ¿Qué objetivos tiene a corto plazo?

68. ¿Y a largo plazo?

69. ¿Que le impide conseguir sus objetivos?

70. ¿Cuál es el motivo de su existencia según él o ella?

Si te cuesta responder alguna de estas preguntas visualízate a ti mismo enfrente de tu personaje. Eres tú quien le hace las preguntas y él quien las responde. Intenta imaginar qué te respondería, como si tuviese vida propia.

Hay muchas más preguntas que puedes hacerte sobre tu personaje, todo depende de cuánto quieras profundizar en él. Estas son las básicas, las que evitarán que te olvides de aspectos importantes de su personalidad y de su vida. Cuanta mayor importancia tenga el personaje, mayor será el número de preguntas que deberás responder. El protagonista, como mínimo debería darte las respuestas de las 70 preguntas.

Espero que te sirvan de ayuda.

¿Qué es mejor, un juego de rol en papel o un videojuego de rol?

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No es ningún secreto que la industria videojugabilística ha encontrado una mina de oro en los RPG (Role-Playing Game), un género que ha derivado de los primeros y clásicos juegos de rol como Dungeons & Dragons. Aunque los primeros viedeojuegos RPG fueron una puesta en escena arriesgada, no tardaron en cosechar un éxito arrollador que ha ido en crescendo a lo largo de los años.

Videojuegos como Dragon Quest o Final Fantasy, donde se presentaba un desarrollo estadístico de personajes y una posibilidad de personalización nunca antes vista, causaron furor entre el público. Estos juegos no solo crearon un género independiente, sino que ramificaron dicho género en dos estilos: JRPG y WRPG. Es decir, juegos de rol orientales y occidentales, respectivamente.

¿En qué se diferencia un JRPG de un WRPG?

Aunque la «J« del acrónimo JRPG hace referencia a Japón (Japanese Role-Playing Game), este estilo se extendió por todo oriente, dando lugar a RPG coreanos y chinos que comparten una estética muy similar con la japonesa. Por ello, actualmente, la distinción se hace entre juegos occidentales y orientales, independientemente del país de origen.

Las características que definen este estilo son, principalmente: Una ambientación y personajes muy estilizados, donde la narrativa juega un papel secundario, imponiéndose la acción y la fantasía por encima de todo. Se buscan situaciones épicas extremas, por inverosímiles que sean. Dejando apartada la lógica y la solidez argumental. La trama es lineal; se presenta una única historia, siendo las elecciones del personaje un factor poco relevante respecto al conjunto y resultado final. La principal atracción de este tipo de juegos es su estética, elaborando mundos imponentes y sobrecogedores, habitados por personajes idealizados y exageradamente estilizados.

JRPG
Los WRPG (Western Role-Playing Game) por el contrario presentan una atmósfera más oscura y seria, donde se presenta una fantasía realista (en la medida de lo posible). Su estructura argumental es abierta y las opciones narrativas enormes. Como contrapartida no son agradables a la vista, pues tienden a mostrar la crudeza del mundo tal y como es. Aunque también conservan la épica y buscan exaltar el heroísmo de los personajes, las hazañas no son tan desmedidas como en un JRPG.

En la mayoría de los WRPG se presenta un mundo abierto donde la exploración es esencial y las misiones secundarias aderezan el mundo en su conjunto, facilitando la inmersión en el mismo. Cada personaje, por irrelevante que sea para la trama principal, posee un lore cuidadosamente estudiado. Esto por regla general no ocurre con los JRPG. Estos últimos buscan exaltar a los personajes principales y relegan aquellas figuras irrelevantes para la historia principal a una serie de funciones meramente cotidianas. De este modo consiguen que la narración se centre únicamente en lo que importa, evitando posibles distracciones. Los WRPG por su parte optan por el modelo sandbox, donde el mundo es enorme, todo es relevante y la trama la conforman los pasos del jugador sobre la marcha.

wrpg

Ambos estilos comparten las características más fundamentales del rol (mundo abierto, libre albedrío, personalización de personaje y equipo, crecimiento y evolución mediante la obtención de experiencia, etcétera). Y aunque la fantasía épica siempre ha servido para ejemplificar a los juegos de rol, existen infinidad de subgéneros dentro del propio rol, tanto para los juegos de rol de lápiz y papel como para los videojuegos, entre los que se encuentran la ciencia ficción, el terror, la investigación, y un largo etcétera.

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Por su parte, los juegos de rol clásicos, los de lápiz, papel, dados y goma de borrar, surgieron como la invención de una nueva forma de ocio revolucionaria. Un «juego de mesa» como nunca antes se había visto. No me gusta otorgarle este mérito a una única persona, pero bien es cierto que Gary Gygax y Dave Arneson (habiendo bebido de toda la literatura fantástica de la época) tuvieron la ocurrencia de plasmar este nuevo concepto de juego en su propio universo fantástico, creando lo que más adelante sería conocido como Dungeons & Dragons. Además de establecer muchas de la pautas que a día de hoy se siguen manteniendo en casi todos los juegos de rol modernos.

Muchos de mis lectores piensan que soy un fan acérrimo de Dungeons & Dragons cuando digo este tipo de cosas, pero la verdad es que no he jugado más de cinco sesiones de Dungeons en toda mi vida. Ni siquiera es del estilo de rol que a mí personalmente me gusta. Pero guste más o guste menos, Dungeons & Dragons fue el primer juego de rol de la Historia. Eso si omitimos el teatro improvisacional y el estudio de William Gamson. Si queremos referirnos al primer juego de rol como tal, Dungeons & Dragons está el primero en la lista.

El éxito del rol como forma de ocio fue brutal, generando adicción y fascinación en el público más joven. En cuestión de meses se empezaron a crear nuevos juegos y variantes de rol. Y poco a poco se fueron desligando cada vez más de la primera generación, hasta contar con toda una legión de subgéneros. A día de hoy, los juegos de rol siguen innovando, y dudo que llegue el día en el que se publique el último manual de rol. Es un género que crece cada día, donde no existen reglas y la única herramienta determinante es la imaginación. Y la imaginación no tiene límites.

Vale, ya conocemos a los dos contendientes, ahora ciñámonos al tema:

¿Qué es mejor, un juego de rol en papel o un videojuego de rol?

Esto es similar al debate ¿qué es mejor el libro o la película?, porque la respuesta sería la misma: depende de si te gusta más un libro o una película. Lo mismo puede aplicarse con los juegos de rol. Si eres un gran amante de los videojuegos y no termina de gustarte eso del rol en papel, claramente lo tuyo son los videojuegos de rol. Por otro lado, si te diviertes más mirando a tus amigos a la cara que a través de una pantalla, y prefieres tener un mayor abanico de posibilidades en tus partidas, lo tuyo es el rol en papel. Es muy subjetivo.

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¿Pero si hubiese que declarar un vencedor entre ambos formatos de rol, cuál sería? Me temo que no puedo dar un ganador de un modo tajante siendo objetivo al mismo tiempo. Y aunque ambos comparten género, forman parte de formatos tremendamente distinos. Dicho esto, la mejor forma de compararlos es evaluando independientemente sus pros y sus contras.

Pros y Contras

Un punto a favor para los videojuegos es la ausencia de Director del Juego. ¿Pero por qué iba a ser esto una ventaja? Todos los juegos de rol en papel tienen un gran defecto: dependen demasiado del Director del Juego. No importa lo genial que sea el juego, no importa lo claras y sencillas que sean las reglas, o lo mascada que venga la campaña predeterminada, todo eso se irá al garete si el encargado de dirigir la partida es nefasto en su papel de máster.

Entiendo que esto no es común, que por lo general un máster hace bien su labor (dentro de lo que cabe). Pero en lo personal, y en experiencias ajenas que me han contado, puedo sentenciar tajantemente que un mal Director del Juego es capaz de destrozar cualquier partida de rol y convertir una divertida y emocionante tarde con los amigos en una aburrida y tediosa odisea.

Un videojuego, al poseer unos PNJs (Personaje No Jugable) en forma de IA que actuarán correctamente sí o sí, nos evita el riesgo de toparnos con un Director del Juego incapaz de dotar de vida y diálogo a sus PNJs. Esto, aunque circunstancial, es otro punto a favor de los videojuegos. Ya van dos.

El tercer punto a favor, aunque depende muchísimo del juego en sí, sería la capacidad de inmersión que nos brinda un buen videojuego. Los hay que te sumergen en el mundo de tal manera que casi te cuesta ser consciente de la realidad. Los personajes cobran vida propia, las aventuras son vívidas y trepidantes y el paisaje respira colores y construcciones maravillosas. Para narrar todo esto en un juego de rol en papel harían falta varias horas y un Director del Juego con unas habilidades narrativas sobresalientes.

Y como cuarto punto a favor: un juego de rol de mesa requiere un grupo de amigos. Para jugar a un videojuego te basta y te sobra con tus dos manos. Y aunque a algunos esta os parezca una mala excusa, es porque no sois conscientes de la cantidad de roleros huérfanos que no pueden llevar a cabo su hobby por falta de jugadores. Una mudanza o una pelea entre amigos puede estropear, no solo una partida de rol, sino también la posibilidad de seguir practicando este hobby.

Aún dicho esto, hay algo que tienen los juegos de rol en papel que jamás tendrá un videojuego. No importa qué argumentos tengas contra esto, no son suficientemente válidos. Y es que mientras un videojuego depende de un universo finito, prediseñado y programado, un juego de rol en papel es infinito. El único límite lo impone la imaginación. Ningún videojuego podrá jamás competir contra algo así. Es por eso que a día de hoy, aún existiendo un abanico tan amplio de videojuegos del género RPG, muchos roleros prefieren reunirse alrededor de una mesa con un manual y un puñado de dados, antes que sentarse delante de una pantalla.

10906279_849066595139737_4652258370189283468_nLas compañías de videojuegos pueden añadir DLCs, parches, mods… cantidades indecentes de contenido adicional para complementar un videojuego. Pero ni aún así tienen una mínima posibilidad de competir contra las infinitas opciones de juego y posibilidades que brinda un buen manual sostenido por un puñado de mentes ingeniosas.

Soy particularmente fan de los sistemas de “poderes” o magia que se utilizan en los juegos de rol (tanto en papel como en videoconsola). Durante años he probado multitud de videojuegos con este tipo de sistema, donde la variedad de hechizos y capacidades mágicas era casi ilimitada. Pero en comparación al sistema de magia de un buen juego de rol como Ars Magica o Mago: La Ascensión, cualquier sistema de poderes de un videojuego queda reducida a la altura del betún. Punto para el rol en papel.

Otro punto a favor (y este es más importante de lo que parece): a veces es una buena excusa para pasar un buen rato con los amigos. Y si estás pensando: vale, pero también puedes quedar con los amigos para jugar a la videoconsola. Si vas a jugar al FIFA, vale, te lo acepto. ¿Pero para jugar a un videojuego de rol? No tengo constancia de que existan muchos RPG con un modo cooperativo que no sea online. Y creo que todos estamos de acuerdo en que no se puede comparar una reunión de amigos en la misma mesa, que a través de un puñado de cables.

Como conclusión personal: yo me quedo con el lápiz y el papel, pues me garantiza que podré llevar a cabo cualquier cosa que se me pase por la cabeza sin mayor limitación que un máster caprichoso. Un mismo manual puede adaptarse a mil universos distintos, mientras que un videojuego siempre será el mismo videojuego.

¿Y como conclusión objetiva, qué es mejor? Depende enteramente del jugador y de las circunstancias. Una mente inquieta y caprichosa, con gran inventiva e imaginación probablemente preferirá el rol en papel. Por otro lado, alguien con ideas concisas cuyo principal objetivo es disfrutar de una buena historia y una gran atmósfera, sin mayor esfuerzo por su parte, optará por los videojuegos. Como ya he dicho, es algo demasiado personal y circunstancial, que va intrínsecamente ligado al gusto y a la situación.

¿Y tú? ¿Con cuál te quedas?